Las pinturas mas famosas de Leonardo da Vinci
Leonardo da Vinci (15 de abril de 1452 – 2 de mayo de 1519) fue un erudito italiano del Alto Renacimiento que se desempeñó como pintor, dibujante, ingeniero, científico, teórico, escultor y arquitecto.
Si bien su fama se basó inicialmente en sus logros como pintor, también se hizo conocido por sus cuadernos, en los que hizo dibujos y notas sobre una variedad de temas, como anatomía, astronomía, botánica, cartografía, pintura y paleontología.
Leonardo se encuentra entre los más grandes pintores de la historia del arte y, a menudo, se le atribuye el mérito de ser el fundador del Alto Renacimiento. A pesar de tener muchas obras perdidas y menos de 25 obras importantes atribuidas, incluidas numerosas obras inacabadas, creó algunas de las pinturas más influyentes en el mundo.
Mona Lisa (c. 1503–19)
La Mona Lisa es quisá la obra mas famosa y reconocida de Leonardo da Vinci. Probablemente completada en 1506, la pieza presenta un retrato de una mujer sentada frente a un paisaje imaginario. Representada de manera similar a las representaciones renacentistas de la Virgen María, la pieza presenta una figura femenina, que la mayoría cree que es Lisa Gherardini, la esposa del comerciante de telas y sedas Francesco Giocondo.
Se la muestra sentada en una logia, o una habitación con al menos un lado abierto. Detrás de ella hay un paisaje borroso y aparentemente aislado imaginado por la artista y pintado con sfumato, una técnica que da como resultado formas “sin líneas ni bordes, a modo de humo o más allá del plano de enfoque”. Su mirada es otra parte hechizante de la composición.
Una de las razones más populares del atractivo mundial de la Mona Lisa es su sonrisa. Da Vinci usó la ilusión óptica para crear una sonrisa única a través de la perspectiva y el trabajo de sombras. Da Vinci pintó la Mona Lisa de tal manera que los ojos de la Mona Lisa caen directamente en el foco del espectador, mientras que los labios caen justo debajo de la periferia de la visión.
La expresión facial le da a la imagen una cualidad desconcertante y hace que el espectador pregunte qué pensó la modelo, quién era y por qué a algunos les parece feliz y triste.
La última cena (c. 1495–98)
La Última Cena es la interpretación visual de Leonardo de un evento narrado en los cuatro Evangelios (libros del Nuevo Testamento cristiano). La noche antes de que Cristo fuera traicionado por uno de sus discípulos, los reunió para comer, les dijo que sabía lo que venía y les lavó los pies (gesto que simbolizaba que todos eran iguales ante los ojos del Señor). Mientras comían y bebían juntos, Cristo les dio a los discípulos instrucciones explícitas sobre cómo comer y beber en el futuro, en memoria de él. Era la primera celebración de la Eucaristía, ritual que aún se realiza.
La última cena represnta todo un reto para Da Vinci por que el autor insistio utilizar una técnica novedosa para pintar el fresco. Debido a esto se ha degradado mucho con el tiempo.
El Hombre de vitruvio (c. 1490)
El dibujo, realizado a pluma y tinta sobre papel, representa una figura masculina en dos posiciones superpuestas con los brazos y las piernas separados e inscritos simultáneamente en un círculo y un cuadrado.
La relación proporcional de las partes refleja el diseño universal. Y un equilibrio “médico” de elementos asegura una estructura estable. Por lo tanto, estas cualidades son compartidas por igual por la creación del cuerpo humano por parte de Dios y la propia producción de un buen edificio por parte del ser humano.
Esta imagen proporciona un ejemplo perfecto del gran interés de Leonardo en la proporción.
La virgen de las rocas (c. 1483–86)
La Virgen de las Rocas ( italiano : Vergine delle rocce ), a veces la Virgen de las Rocas , es el nombre de dos pinturas con el mismo tema, con una composición idéntica a excepción de varios significativos detalles.
Ambas pinturas muestran a María y al niño Jesús con el infante Juan Bautista y un ángel Uriel, en un paraje rocoso que da a las pinturas su nombre habitual. Las diferencias compositivas significativas están en la mirada y la mano derecha del ángel.
Hay muchas formas menores en las que difieren las obras, incluidos los colores, la iluminación, la flora y la forma en que se ha utilizado el sfumato. Aunque la fecha de un encargo asociado está documentada, se desconocen las historias completas de las dos pinturas, lo que lleva a especular sobre cuál de las dos es anterior.
La dama del armiño (c. 1489–91)
La dama del armiño, también conocida como Retrato de Cecilia Gallerani, fue un precursor de la Mona Lisa en la forma en que retrató la mística de una mujer de una manera elegante.
Uno de los aspectos más curiosos del cuadro es la repetición entre mujer y bestia: en su palidez y rasgos puntiagudos el armiño ofrece un reflejo especular de su dueño, aunque su musculatura lo señala claramente como masculino. Los velos transparentes que cubren la cabeza de Cecilia crean capas más literales de ofuscación. Es una imagen envuelta en misterio.
El armiño acunado en los brazos de Cecilia Gallerani ilustra el persistente interés y afinidad de Leonardo por los animales: tanto el poder y la complejidad de sus anatomías como su fuerza emblemática. Dibujó caballos al galope, el andar de un oso, patas de perros y pájaros en vuelo.
La Virgen, el Niño Jesús y Santa Ana (c. 1503–19)
La Virgen y el Niño con Santa Ana es un óleo que Leonardo no terminó.
Este Oleo representa a Santa Ana, su hija la Virgen María y el niño Jesús. Se muestra a Cristo luchando con un cordero sacrificado que simboliza su Pasión mientras la Virgen trata de contenerlo.
Retrato de Ginebra de Benci (c. 1474/78)
La impecable piel blanca como la tiza, los rasgos finos de porcelana y una expresión reservada y algo impenetrable reflejan el refinamiento de Ginevra de ‘Benci, de 16 años.
Como la mayoría de los sujetos de retratos del Renacimiento, ella era de una familia rica y educada. La apariencia marmórea de su tez, alisada por la propia mano de Leonardo, está enmarcada por los rizos ondulantes de su cabello.
Esto entonces contrasta bellamente con el halo de púas del arbusto de enebro. Leonardo veló el fondo de este retrato con un fino velo de niebla conocido como sfumato; esto se crea con esmaltes de aceite superpuestos. Aunque Leonardo no creó este efecto, se vuelve conocido por su hábil uso.
Salvator Mundi (c. 1500)
Posiblemente la obra mas controversial. La obra más controversial por que algunos dudan de la autentificación de la obra.
Actualmente esta obra se encuentra en una galería privada. La pintura fue vendida en una subasta por 450,3 millones de dólares el 15 de noviembre de 2017 por Christie’s en Nueva York al príncipe Badr bin Abdullah, estableciendo un nuevo récord para la pintura más cara jamás vendida en una subasta pública.
Sin embargo apartir de estos eventos se vovió muy famosa.
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